Ossie Clark 드레스의 꽃무늬는 Celia Birtwell이 만들었다
1960~70년대 런던 패션을 대표하는 오시 클라크(Ossie Clark)의 드레스. 흐르는 듯한 실루엣만큼 인상적인 꽃과 식물의 프린트에는 또 다른 디자이너, 셀리아 버트웰(Celia Birtwell)의 작업이 담겨 있었다. 두 사람의 협업을 재조명하는 전시가 런던에서 열리고 있다.
오시 클라크의 드레스를 떠올리면 몸을 따라 자연스럽게 흐르는 실루엣과 화려한 프린트가 먼저 생각난다. 가볍게 움직이는 원단, 허리와 어깨의 형태를 살리는 재단, 그리고 옷 전체를 채우는 꽃무늬는 그의 디자인을 상징하는 특징이다.
하지만 이러한 옷의 인상이 한 사람의 작업만으로 완성된 것은 아니다.
옷의 형태를 설계하고 재단한 사람은 오시 클라크였지만, 여러 대표적인 의상에 사용된 꽃과 식물의 프린트는 텍스타일 디자이너 셀리아 버트웰이 만들었다.
두 사람은 1960년대 중반부터 1970년대 초반까지 런던 패션계에서 함께 활동했다. 클라크는 인체의 움직임을 고려한 의복 디자인에 능숙했고, 버트웰은 원단 자체에 독창적인 시각적 표현을 더했다.
하나의 드레스에서 의복 디자인과 텍스타일 디자인이 서로 다른 전문성을 통해 완성된 것이다.
오시 클라크의 드레스는 왜 특별했을까
오시 클라크는 1960년대 런던 패션이 변화하던 시기에 등장했다.
1965년 런던 왕립예술학교를 졸업한 그는 첼시의 패션 부티크 쿠오럼(Quorum)을 통해 자신의 디자인을 선보이기 시작했다. 젊은 세대가 기존의 격식 있는 옷차림에서 벗어나 새로운 스타일을 찾던 시기였다.
클라크의 강점은 원단을 재단하고 인체에 맞게 구성하는 능력이었다.
그는 몸의 형태를 무조건 감추거나 단단하게 고정하기보다 원단이 자연스럽게 움직이도록 설계했다. 특히 얇고 부드러운 시폰 소재와 유연한 실루엣, 정교한 재단을 활용한 드레스가 대표적이었다.
옷감의 결을 비스듬하게 활용하는 바이어스 컷(Bias Cut) 역시 그의 디자인을 이해하는 중요한 요소다. 이 방식은 원단이 몸의 곡선을 더욱 유연하게 따라가도록 만드는 데 활용된다.
그의 의상은 정면에서 보이는 형태만큼 착용자가 움직일 때 나타나는 모습도 중요했다.
여기에 셀리아 버트웰의 프린트가 더해지면서 옷은 단순한 실루엣 이상의 시각적 특징을 갖게 됐다.
셀리아 버트웰이 만든 꽃무늬의 역할
셀리아 버트웰은 자연에서 가져온 이미지와 장식적인 패턴을 자신만의 방식으로 표현한 텍스타일 디자이너다.
그녀의 작업에는 꽃과 잎사귀 같은 식물 형태뿐 아니라 곡선과 추상적인 무늬도 등장한다. 러시아 발레단의 무대미술과 의상, 아르데코 양식 등에서 받은 영향도 중요한 특징으로 꼽힌다.
버트웰의 프린트는 자연의 모습을 사실적으로 옮겨놓는 데 그치지 않았다. 식물의 형태를 변형하거나 서로 다른 무늬를 조합해 원단 위에서 독특한 리듬을 만들어냈다.
이러한 프린트는 클라크의 드레스와 만나 더욱 강한 존재감을 발휘했다.
평평하게 펼쳐진 원단에서는 하나의 반복 패턴으로 보이지만, 실제 옷으로 제작되면 그 무늬는 재단선과 주름을 따라 달라진다. 착용자가 움직일 때마다 프린트의 형태와 배열도 다르게 보인다.
클라크가 옷의 움직임을 만들었다면 버트웰은 그 움직임을 시각적으로 더욱 풍부하게 만든 셈이다.
두 사람의 작업이 특별했던 이유는 옷의 형태와 표면 장식이 따로 존재하지 않고 서로의 특징을 강조하는 방식으로 결합됐기 때문이다.
실제 박물관 소장품에도 두 사람의 이름이 함께 남아 있다
이들의 협업은 현재 여러 미술관의 패션 소장품에서도 확인할 수 있다.
뉴욕 메트로폴리탄 미술관이 소장한 1969년 작품 〈Acapulco Gold〉는 오시 클라크를 의상 디자이너로, 셀리아 버트웰을 텍스타일 디자이너로 기록하고 있다.
1973~74년의 〈Ziggy Stardust〉 역시 두 사람의 이름이 함께 올라간 작품이다.
흥미로운 점은 이들이 작업한 품목이 화려한 드레스에만 한정되지 않았다는 사실이다.
런던 V&A 미술관의 소장품에는 1966년 두 사람이 디자인한 종이 드레스도 있다. 종이를 기반으로 만든 일회성 패션이 주목받던 시대에 이들 역시 새로운 소재와 표현 방식을 실험했다는 것을 알 수 있다.
이는 두 사람의 협업을 단순히 꽃무늬 드레스를 만드는 작업으로만 이해해서는 안 되는 이유다.
당시의 소재와 유행, 새로운 의복 형태에 대한 실험도 이들의 디자인 세계에 포함돼 있었다.
패션과 음악, 예술이 교차하던 1960~70년대 런던
오시 클라크와 셀리아 버트웰이 활동하던 시기는 런던의 문화적 분위기가 빠르게 달라지던 때였다.
이른바 ‘스윙잉 런던(Swinging London)’으로 불리는 1960년대의 변화 속에서 패션은 젊은 세대의 취향과 태도를 표현하는 중요한 수단이 됐다.
기존의 격식을 벗어난 옷차림이 확산됐고, 음악가와 예술가, 패션 디자이너들은 서로 가까운 문화적 환경에서 활동했다.
클라크의 의상은 이러한 분위기와 자연스럽게 연결됐다. 그의 옷은 록 음악과 당시의 자유로운 라이프스타일을 떠올리게 하는 디자인으로 주목받았다.
버트웰 역시 이러한 문화적 흐름 속에서 자신만의 작업을 발전시켰다. 두 사람은 창작 파트너인 동시에 부부이기도 했지만, 1974년 관계가 끝나며 주요 협업 시기도 마무리됐다.
이후 버트웰은 패션뿐 아니라 인테리어와 다양한 브랜드 협업으로 활동 영역을 넓혔다.
두 사람이 함께 만든 의상은 특정 디자이너의 유행을 넘어 당시 런던의 음악과 예술, 생활방식이 서로 영향을 주고받던 시대를 보여주는 자료로 남았다.
런던에서 다시 만나는 두 사람의 디자인
이들의 작업을 재조명하는 전시 〈Ossie Clark + Celia Birtwell〉이 2026년 10월 2일 런던 Fashion and Textile Museum에서 개막했다.
전시는 2027년 4월 11일까지 열리며, 클라크의 초기 작업부터 후기 컬렉션까지 아우르는 개인 소장 의상들을 중심으로 두 사람의 디자인 세계를 살펴본다.
특히 클라크의 재단 기술과 버트웰의 독창적인 프린트가 어떻게 결합됐는지가 전시의 핵심이다.
함께 발간된 전시 도록에는 관련 스케치와 과거 사진, 의상 자료 등이 수록돼 당시 작업을 보다 넓은 맥락에서 이해할 수 있도록 돕는다.
이번 전시가 흥미로운 이유는 패션 디자이너 한 사람의 업적에만 집중하지 않는다는 점이다.
일반적으로 유명한 패션 하우스나 디자이너의 이름은 기억되기 쉽지만, 옷을 구성하는 원단의 무늬와 소재를 만든 사람의 이름은 상대적으로 덜 알려지기도 한다.
그러나 프린트가 바뀌면 같은 실루엣의 옷도 전혀 다른 인상을 줄 수 있다. 반대로 동일한 프린트라도 어떤 형태로 재단하고 착용하느냐에 따라 새로운 디자인이 된다.
이번 전시는 바로 이러한 상호작용을 살펴볼 기회다.
한 벌의 드레스에는 두 사람의 디자인이 남아 있다
오시 클라크의 드레스를 볼 때 가장 먼저 눈길을 끄는 것은 우아한 실루엣일 수 있다. 그러나 그 위에 펼쳐진 꽃무늬와 식물 패턴까지 자세히 살펴보면 또 다른 창작자의 작업이 드러난다.
옷의 형태와 원단의 디자인은 서로 구분되는 작업이지만, 실제 의상에서는 하나로 완성된다.
두 사람의 협업은 이러한 관계를 보여주는 대표적인 사례다.
클라크가 남긴 의복의 구조와 버트웰이 만든 프린트는 각각 독립적인 가치를 가지면서도 함께할 때 더욱 특별한 결과를 만들어냈다.
결국 오시 클라크의 드레스를 새롭게 바라보는 방법은 실루엣뿐 아니라 그 위에 놓인 무늬까지 함께 읽는 것이다. 한 벌의 옷에는 우리가 기억하는 디자이너의 이름보다 더 많은 창작의 이야기가 담겨 있다.
